Monsieur Claude und seine Töchter (Originaltitel: Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu?) ist eine französische Filmkomödie des Regisseurs und Drehbuchautors Philippe de Chauveron aus dem Jahr 2014. In der Hauptrolle des Monsieur Claude Verneuil ist Christian Clavier zu sehen, den deutsche Zuschauer aus den Rollen des Asterix in den ersten beiden Realverfilmungen des Comics bzw. des Napoléon in der gleichnamigen TV-Miniserie kennen.

Claude und Marie Verneuil (Christian Clavier, Chantal Lauby) sind ein wohlhabendes, leicht konservatives katholisches Ehepaar in der französischen Provinz. Sie haben vier attraktive Töchter. Für die jungen Frauen können sich die Verneuils nichts Schöneres vorstellen, als dass diese von Männern mit den Attributen „attraktiv, französisch, männlich“ geehelicht werden. Doch Tochter Ségolène (Emilie Caen) heiratet den Chinesen Chao (Frédéric Chau), Isabelle (Frédérique Bel) den Muslim Rachid (Medi Sadoun) und Odile (Julia Piaton) den Juden David (Ary Abittan). Da hängt der familiäre Haussegen der Verneuils gewaltig schief. Wenigstens ihre jüngste Tochter Laure (Elodie Fontan) ist mit einem französischen Katholiken zusammen. Doch als dieser zum ersten Abendessen vorbei kommt, reißt den besorgten Eltern der Geduldsfaden: Charles (Noom Diawara) ist schwarz. Claude und Marie geben ihre Töchter aber nicht so einfach auf. Sie nutzen die Hochzeitsvorbereitungen, um die unerwünschten Beziehungen zu sabotieren…

aus: filmstarts.de

Monsieur Claude und seine Töchter war in Frankreich einer der erfolgreichsten Kinofilme aller Zeiten und kam wohl auch in Deutschland gut an. Es geht um Rassismus, Borniertheit, Fremdenfeindlichkeit und Ignoranz – hier dargestellt als Komödie anhand der französischen Bourgeoisie. Und Weihnachten kommt auch vor.

Sicherlich ist der Film eine amüsante Familienkomödie über kulturelle Vorurteile und andere Misslichkeiten. Aber betrachtet man den Film ganz im Ernst, dann zeigen sich seine Bedenklichkeiten. Die gezeigte Familie ist gut bürgerlich. Und auch die Schwiegersöhne ‚mit Migrationshintergrund’ sind im Grunde voll und ganz in die französische Gesellschaft integriert. Vielleicht ist es die Anzahl, die Monsieur Claude verzweifeln lässt: Keine der vier Töchter konnte sich für einen alteingesessenen Franzosen entscheiden. Ansonsten bedient sich der Film des Klischees, das jede Figur hemmungslos auf ihre ethnische Abstammung reduziert. Julia Dettke geht auf zeit.de noch etwas weiter: „Situationskomik und Spannungsaufbau funktionieren in Monsieur Claude und seine Töchter nur über Empathie mit den beiden Hauptfiguren: Der Zuschauer muss die Ausgangssituation einer durch ‚fremde‘ Schwiegersöhne vom Schicksal gebeutelten Familie als Problemlage akzeptieren, um im Folgenden mitzulachen und mitzufiebern. Alltagsrassismus wird als Identifikationsbasis vorausgesetzt. Der Film macht sich nämlich nicht über Vorurteile lustig, er basiert auf ihnen.“

Monsieur Claude und seine Töchter | Trailer & Filmclips [HD]

Eine weitere Frage, die sogar im Film gestellt wird, ist, wie würde der Film wohl aussehen, wenn Monsieur Claude statt vier Töchtern vier Söhne hätte? Ja, es ist gar nicht so einfach, ein heikles Thema wie Fremdenfeindlichkeit mit viel Humor aufzuarbeiten. Und: „Sind wir nicht alle ein bisschen rassistisch?“, ein Satz, der in der Mitte des Films fällt.

Wenn Dominik Graf Regie führt, dann darf man mit etwas Besonderem rechnen. Vorgestern bin ich einmal fremd gegangen und habe statt eines Tatorts die neueste Folge aus Polizeiruf 110, dem ehemaligen DDR-Pendant zum bundesrepublikanischen Tatort, gesehen, die am vergangenem Sonntag lief. Regie, man kann es sich denken: Dominik Graf; Titel der Folge aus München: Smoke on the Water

Bereits am letzten Samstag hatte ich einen Kriminalfilm in der Regie von Graf gesehen: Die reichen Leichen – ein Starnberg-Krimi. Bekanntlich ist der Bayern-König Ludwig II. auf bis heute ungeklärte Weise im Starnberger See, der bis 1962 noch Würmsee hieß, ertrunken. Das wird in diesem ‚heimatkundlichen’ Krimi auf besondere Weise thematisiert:

„Der Kini (König Ludwig II.) wurde ermordet und die Sisi entführt. „Die reichen Leichen. Ein Starnbergkrimi“ ist keiner jener Gaudi-Krimis, die auf der Grundlage von bayerischer Lebensart und deftigem Humor Mord zur schönsten Nebensache der Provinz machen. Dafür gibt es abgedrehte Geschichten, Auswüchse historischer Heimatkunde & Momente, die regionale Poesie verströmen. Heimat, das entspringt in diesem Film mehr der Mentalität der Menschen, weniger dem bayerischen Stereotypen-Kabinett. Anders als in seinen Stadt-Krimis setzt Dominik Graf statt auf wilde Montagen verstärkt auf die Raum-Komponente. Die (königliche) Geschichte, die Magie von Landschaft & See geben den Rhythmus vor.“

Die reichen Leichen – ein Starnbergkrimi D/2014 HD

Dominik Graf kennen wir auch durch seine Regiearbeiten bei einigen Tatort-Folgen. So zeichnete er bereits 1986 für die Filmleitung der Schimanski-Folge Schwarzes Wochenende verantwortlich. Dem folgten 1995 Frau Bu lacht der Münchener Ermittler Batic und Leitmayr (es geht Kindesmissbrauch – die sehr interessante Folge habe ich erst kürzlich gesehen) und vor nicht so langer Zeit 2013 die etwas verquere Folge Aus der Tiefe der Zeit (ebenfalls mit Batic und Leitmayr).

Jetzt also Polizeiruf 110: Smoke on the Water. Rainer Tittelbach, unser onliniger TV-Experte, schreibt dazu:

Hanns von Meuffels [der ermittelnde Hauptkommissar in München] bekommt es im ‚Polizeiruf 110 – Smoke on the Water’ mit einem blaublütigen Überflieger zu tun, der sich gebärdet wie ein Provinzkönig. Hat dieser einen anderen bezahlt, damit der sein Todschlagdelikt absitzt? Oder walten in und um Cadenbach globalere Kräfte, für die ein, zwei Morde Peanuts sind? Das Wechselspiel von Macht und Ohnmacht treibt diesen Film an, der in einem wahnwitzig brutalen 15minütigen Totentanz sein verzweifeltes Ende findet. Dominik Graf quält mit diesem Thriller Sonntagskrimi-Fans weniger als zuletzt. Das liegt auch an der großen Sinnlichkeit, mit der er Schütters komplexes Drehbuch umsetzt. Atmosphärisch, cool, schräg, politisch & ein bisschen sexistisch.

Apropos sexistisch! Die Regionalbischöfin des Kirchenkreises München und Oberbayern, Frau Susanne Breit-Keßler, beschwerte sich dann auch umgehend über das Frauenbild, den dieser Film vermittelt. So ganz unrecht hat sie sicherlich nicht.

In der Figur des Herrn von (und zu) Cadenbach ist übrigens der aus Bayern stammende, ehemalige Bundesverteidigungsminister (auch ein ‚… von und zu …’) erkennbar, wenn dieser hier auch reichlich überzeichnet wird. Und auch der im Film gezeigte bayerische Ministerpräsident ähnelt dem augenblicklich amtierenden (Herr Graf wählt sicherlich nicht die Christlich-Sozialen).

Hintergrund des Polizeiruf-Krimis bildet übrigens das Erdbeobachtungsprogramm Copernicus der Europäischen Union, ein aus Steuergeldern subventioniertes Milliardengeschäft. Da geht man auch schon ’mal über Leichen.

POLIZEIRUF 110: Smoke on the Water (München – 20.10.2014)

Dieser Krimi hat es in sich, wenn er nach meiner Meinung auch etwas zu überambitioniert wirkt (ich will ehrlich sein: überdreht!). Dominik Graf und Drehbuch-Autor Günter Schütter teilen so richtig aus, decken alte Seilschaften auf, die sich bereits auf Eliteschulen bildeten, zeigen die Verquickung aus Politik und Wirtschaft auf und die Spielchen der Oberen aus Geld, Macht und Sex. Manchmal zeitigen scheinbar banale Dialoge auch eine feine Spur Ironie wie der folgende, für den Film durchaus bezeichnende Dialog:

Der Kommissar befragt in einer Kneipe im Münchner Umland die Freundin der Ermordeten, Corry Hüsken.

Von Meuffels: Vielleicht will er (Joachim von Cadenbach, ein Verdächtiger, Anm. d. Red.) Außenminister werden, oder Verteidigungsminister.

Hüsken: Na ja, der Adel bringt halt noch immer einen besonderen Menschenschlag hervor.

Von Meuffels: Sagen Sie das, um mir zu schmeicheln?

Hüsken: Ach so. Ich bin begeisterte Bunte-Leserin.

Von Meuffels: Ach, du lieber Himmel! Noch eine von denen, die das Leben lieber anderen überlassen.

Hüsken: Meinen Sie?

Von Meuffels: Ja. Ich habe die Theorie, dass nur solche Menschen Klatsch brauchen, die selber nicht leben, weil sie Angst haben, es kommt was an sie dran.

Man muss ihn sicherlich zu den ganz großen Filmregisseure dieser Welt zählen: Alfred Hitchcock. Das gilt in vielerlei Hinsicht, beginnend mit Techniken wie die Zuhilfenahme von Beleuchtungseffekten, um Tiefe zu schaffen und den Vorder- vom Hintergrund abzusetzen. Dann zeigte Hitchcock uns, den Zuschauern, völlig neue Perspektiven und Kameraeinstellungen – z.B. den Blick von oben. Darauf muss man erst einmal kommen. Und wie kein anderer setzte er neben Licht und Farben die Musik und Toneffekte so geschickt ein, um den Zuschauer ‚unter Spannung’ zu setzen. Heute sind das sicherlich Dinge, die jeder Absolvent einer Filmakademie gelernt haben sollte.

Die klassische, auf das Überraschungsmoment aufbauende Form des Kriminalfilms ist die Frage nach dem Täter (Whodunit). Bis auf nur wenige Ausnahmen bediente sich Hitchcock jedoch einer anderen Form des Spannungsaufbaus, dem sogenannten Suspense: Dem Zuschauer sind ab einem gewissen Zeitpunkt Informationen oder Umstände bekannt, von denen die handelnden Personen nichts wissen. Er fiebert in besonderer Weise mit den Helden, er sieht Ereignisse kommen, möchte den Figuren helfen, kann es aber nicht.

Besonders bekannt ist Hitchcock durch seine kurzzeitigen Auftritte geworden, seine obligatorischen Cameo-Auftritte. Aus Mangel an Statisten in seinen ersten britischen Filmen sah man Hitchcock immer wieder im Hintergrund auftauchen. Daraus entwickelte er dann eines seiner bekanntesten Markenzeichen. Da das Publikum mit der Zeit immer weniger auf die Handlung achtete als vielmehr auf Hitchcock lauerte, legte er in späteren Filmen diesen Running Gag möglichst weit an den Filmanfang.

In drei Filmen hatte Hitchcock keinen eigentlichen Cameo-Auftritt. In zwei von diesen Filmen trat er auf Fotos in Erscheinung: „Das Rettungsboot“ spielt ausschließlich in einem kleinen Rettungsboot auf dem Meer. Er ist daher in einer zufällig im Boot liegenden Zeitung in einer Werbeanzeige für eine Diät auf einem „Vorher-Nachher-Foto“ zu sehen. Auch in „Bei Anruf Mord“ war kein Auftritt möglich. Stattdessen taucht Hitchcock auf einem an der Wand hängenden Foto einer Wiedersehensfeier von College-Absolventen auf. In „Der falsche Mann“ schließlich tritt er am Anfang des Films persönlich auf und spricht den Prolog. Dies ist gleichzeitig seine einzige Sprechrolle in einem seiner Kinofilme.

In einem frühen Beitrag meines Blogs hatte ich Hitchcocks Über den Dächern von Nizza vorgestellt. In diesem Film ist er nach ca. 9 Minuten kurz neben Cary Grant in einem Bus zu sehen:

Nun habe ich einmal weiter geforscht, denn inzwischen habe ich zehn weitere Filme von Alfred Hitchcock vorliegen – und in jedem tritt er für kurze Augenblicke, mal in der Ferne (eher undeutlich), mal von ganz nah und damit unübersehbar, auf:

Alle Bildausschnitte sind auch etwas größer auf meiner Facebook-Seite: Hitchcocks Cameo-Auftritte zu sehen.

In „Cocktail für eine Leiche“ (1948) ist Hitchcock im Vorspann nur kurz aus der Ferne auf der Straße mit einer Frau zu sehen. Der Film selbst spielt ausschließlich in einem Zimmer. In „Das Fenster zum Hof“ (1954) erhaschen wir Hitchcock beim Blick in das Zimmer des gegenüberliegenden Hauses, wie er eine Uhr aufzieht. Im Film „Immer Ärger mit Harry“ (1955) wagt die Kamera einen Blick aus dem Fenster und wir sehen Hitchcock kurz im Mantel an einem Auto längst gehen. Einmal ist Hitchcock nur von hinter zu sehen – da steht er in „Der Mann, der zuviel wusste“ (1956) auf dem Marktplatz von Marrakesch zwischen zwei Männern in hellem Kaftanen. In „Vertigo“ (1958) ist er nicht zu übersehen: Hitchcock huscht mit Tasche durchs Bild. Und in „Psycho“ (1960) sehen wir ihn draußen vor der Tür mit Cowboyhut. Auch in „Die Vögel“ (1963) ist Hitchcock nicht zu übersehen: Er verlässt eine Tierhandlung und führt dabei zwei Terrier mit sich. In „Marnie“ (1964) kommt er aus einem Zimmer im Hotel. Eigentlich hatte Hitchcock hatte nicht allzu viel übrig für kleine Kinder, daher ist es schon witzig, wie er in „Der zerrissene Vorhang“ (1966) in einem Hotelfoyer mit Kind zu sehen ist. Witzig auch die Szene in „Topas“ (1969), wo Hitchcock in einem Rollstuhl angekarrt wird, plötzlich aufsteht, um einem Mann mit Hut die Hand zu schütteln.

Femme Fatale ist ein Erotikthriller des Regisseurs Brian De Palma aus dem Jahr 2002. Der in Paris und Cannes gedrehte Film orientiert sich am klassischen Film noir. Die Hauptrolle der Femme fatale wurde von Rebecca Romijn-Stamos übernommen, die männliche Hauptrolle von Antonio Banderas.

Bei einer Premiere während des Filmfestivals in Cannes präsentiert das Model Veronica (Rie Rasmussen) ein millionenschweres diamantenbesetztes Schmuckstück. Eine Bande von Dieben, darunter die als Fotografin getarnte Laure Ash (Rebecca Romijn), versucht, die Edelsteine in einem ausgeklügelten Raubzug zu entwenden. Als scheinbar alles anders kommt als geplant, verschwindet Laure mit der Beute. Für die Flucht benötigt sie neue Papiere, die sie in Paris beschaffen will. Dort trifft sie auf ihre Doppelgängerin Lily (ebenfalls Romijn) und übernimmt deren Identität. Sieben Jahre später kehrt sie als Frau des amerikanischen Botschafters Watts (Peter Coyote) in die französische Hauptstadt zurück. Als es dem Fotografen Nicholas Bardo (Antonio Banderas) gelingt, eine Aufnahme von ihr zu machen, die in der Presse erscheint, heften sich die einst betrogenen Komplizen an ihre Fersen und ihre geheime Vergangenheit droht ans Licht zu kommen…

aus: filmstarts.de

Fast auf den Tag genau vor einem Jahr hatte ich mich bereits etwas ausführlicher zu Brian De Palma und dort zu seinem Film Dressed to Kill aus dem Jahr 1980 geäußert. In diesen Tagen habe ich mir ‚endlich’ auch seinen Film Femme Fatale angeschaut (er lief vor geraumer Zeit im Fernsehen und ich habe ihn mir aufgezeichnet). Während „Dressed to Kill“ gewissermaßen das Pendant zu Hitchcocks ‚Psycho’ aus dem Jahre 1960 ist (auch dieser Film lief dieser Tage im Fernsehen und auch ihn habe ich aufgenommen – wie lange habe ich ihn nicht mehr gesehen …?), so übernahm De Palma – wie in vielen seiner Filme – auch in „Femme Fatale“ einige Motive aus Filmen von Hitchcock: Das Doppelgänger-Motiv aus „Vertigo – Aus dem Reich der Toten“ und das Thema des Voyeurismus aus „Das Fenster zum Hof“. Auch die blonde Femme fatale spielt auf Hitchcocks „Verwendung“ von verführerischen, aber eiskalten Blondinen an und nicht zuletzt auf den mehrfach direkt zitierten Klassiker des Genres: „Frau ohne Gewissen“ (Double Indemnity, 1944) mit Barbara Stanwyck, ein Film von Billy Wilder.

Brian De Palma: Femme Fatale (2002)

Die Femme fatale (frz. für „verhängnisvolle Frau“) ist ein besonders attraktiver und verführerischer Frauentypus, der – mit magisch-dämonischen Zügen ausgestattet – Männer erotisch an sich bindet, sie aber auch manipuliert, ihre Moral untergräbt und sie meist auch auf „fatale“ Weise ins Unglück stürzt.

Häufig musste sich De Palma den Einwand anhören, er sei ein visuell zwar hochtalentierter Filmemacher, der aber ohne Tiefgang persönliche Obsessionen auslebe und bis zum Exzess sein Vorbild Hitchcock imitiere. Dieser Befund der künstlerischen Unreife wird oft noch mit dem Vorwurf der Frauenfeindlichkeit garniert. Die meisten dieser Kritiker übersehen nicht nur, dass schon Hitchcock zu seiner Zeit mit vergleichbaren Reaktionen zu kämpfen hatte, was ihnen durchaus zu denken geben sollte, sondern auch und vor allem, dass De Palmas Kino hochgradig selbstreflexiv angelegt ist. So sind Thriller wie „Sisters“, „Dressed to Kill“ oder „Body Double“ tatsächlich oft voyeuristisch, aber zugleich auch Traktate über die Schaulust. Macht und Lust stehen in De Palmas Filmen in einem komplexen Zusammenhang, in dem die Frauen entschieden mehr als nur Opfer und die Männer oft einfach machtlos sind. „Femme Fatale“ macht dies noch einmal ganz klar, indem die Protagonistin, deren Vorgängerinnen in den Klassikern des Film noir stets mit dem Untergang für ihre Anmaßung zu zahlen hatten, hier eine tatsächliche Macht und das Heft des Handelns erhält. Der männliche Held dagegen ist in Gestalt von Antonio Banderas ein wohlmeinender Zeuge, der von den Ereignissen mehr oder weniger überrollt wird.

„Femme Fatale“ ist also alles andere als frauenfeindlich, vielmehr ist er eine Liebeserklärung an die Frauen – dazu gehört auch, ihre Körper zu fotografieren. Das sich durch das Milchglas einer Toilettenkabine abzeichnende lesbische Liebesspiel, der Striptease im übertriebenen Kunstlicht einer Spelunke oder die in Zeitlupe zelebrierten langen Beine in Hotpants und Stiefeln mit hohem Absatz (hier das dänische Model Rie Rasmussen), all das ist ein Voyeurismus zweiten Grades, dem seine Inszenierung überdeutlich eingeschrieben ist. De Palma macht seine Methode wie so oft ganz deutlich und wer ihm vorwirft, seine Hauptdarstellerin nur nach dem Aussehen ausgesucht zu haben, der ist schlicht böswillig. Das ehemalige Model Rebecca Romijn besitzt natürlich etwas von dem sirenenhaften Reiz der fatalen Verführerin, aber sie ist eine ebenso starke Persönlichkeit, die auch in ihren verschiedenen Rollen und Träumen nie ihren Kern verliert und daher am Ende umso überzeugender einfach sie selbst sein kann.

Der Film ist nicht nur vom Inhaltlichen äußerst verwickelt, sondern auch in der Verwendung filmästhetischer Mittel überaus interessant. De Palma nutzte häufig den Split Screen und Bildcollagen, um Gleichzeitiges und Gedanken darzustellen. Des Weiteren inszenierte er den Höhepunkt in beiden Zeitebenen des Filmes in Zeitlupe.

Wer Hitchock mag, wird De Palma mit Sicherheit auch mögen.

Hier mich wiederholt zur Kultserie Mit Schirm, Charme und Melone zu äußern, hieße Eulen nach Athen tragen. Bekannt wurde die Serie mit der 4. Folge, in der neben John Steed erstmals die unverwechselbare, wunderbare Emma Peel im Mittelpunkt stand. Mit der 5. Staffel bekam die Serie Farbe …

Mit Schirm, Charme und Melone – Vorspann zur 5. Staffel

Und in den ersten sechzehn Folgen hatte diese Staffel um John Steed (J.S.) und Emma Peel (E.P.) ganz besonders Merkmale, die zumindest für diese Folgen zum Markenzeichen der beiden Geheimagenten wurden und neben der Vor- und Nachspannmusik von Laurie Johnson den Wiedererkennungswert deutlich erhöhten:

Nachdem der aktuelle Fall dem Zuschauer gewissermaßen mit einer ersten Szene vorgestellt wurde, treten Emma Peel und John Steed auf. Statt einer gegenseitigen Begrüßung macht John Steed seine Partnerin darauf aufmerksam, dass sie beide wieder einmal gebraucht werden: „Mrs. Peel, wir werden gebraucht!“ („Mrs. Peel, we’re needed!”) Natürlich geschieht dies nicht auf pumpe, sondern eher auf subtile Art und Weise. Das kann dann eine Pralinenschachtel sein, auf deren Rückseite eben jener Spruch steht. Oder eine Einladungskarte, ein Blick durchs Mikroskop, ein Pfeil, der angeflogen kommt – eine Ampel oder eine Zeitung. Und sollte Mrs. Peel ihre Wohnung renovieren und die alten Tapeten abreißen, dann kann es sein, dass sich hinter den alten Tapeten an der Wand … ja, jener Spruch verbirgt: „Mrs. Peel, we’re needed!”

Und noch eines ist für diese 16 Folgen markant: Ist der Titel der Folge eingeblendet, dann erscheinen noch zwei kleine Sprüchlein, die darauf hinweisen, was Steed und was Emma in dieser neuen Folge geschehen wird.

Es gibt eine ganz besondere Website, die sich sehr ausführlich mit der Serie befasst hat und die zu dieser 5. Staffel nicht nur schöne Bildchen liefert, sondern in kleinen Videoausschnitten (über Youtube) eben auch jene Szenen wiedergibt, in denen John Steed mit eben dem genannten Sprüchlein aufwartet: The Avengers – Series 5 – Episode Guide

Ich habe mir erlaubt, das Ganze noch etwas zu ergänzen, indem ich die deutsche Übersetzung zu den eingangs jeder Folge eingeblendeten zwei Sprüchlein wie folgt wiedergebe:

Zur 5. Staffel gehören noch acht weitere Folgen, die allerdings auf diese Markenzeichen verzichteten. Den Grund kenne ich nicht. Vielleicht sind den ‚Machern’ auch die Ideen zu jenem „Mrs. Peel, we’re needed!“ ausgegangen. Schade. Noch mehr leid tut es mir, dass sich Diana Rigg nach dieser Staffel von der Serie zurückzog. Dazu später noch etwas mehr …

Nur mal so – dank Rainer Tittelbach & tittelbach.tv: Die besten Gratisfilme im Netz

Mit „legal & kostenlos“ werben Netzkino, MyVideo, Clipfish, MySpass & der YouTube Film Channel (fast identisch mit dem Netzkino-Angebot) für ihre Portfolios. Allein Netzkino bietet über 2000 Filme aller Genres an – in voller Länge, in guter Bildqualität & mit Werbung unterbrochen. Das meiste allerdings ist „Schund“, oft führen die Filmtitel und die Ikonografie der Cover auf falsche Fährten. tittelbach.tv ist alle Filme durchgegangen, hat zu den unbekannten Movies recherchiert, das Beste ausgewertet & jeweils eine Kritik dazu gestellt. Ergebnis: 130 Top-Filme gratis online – Autorenkino, Klassiker, Kult, Trash & Comedy!