Ja, morgen ist es soweit. Hollywood feiert wieder einmal sich selbst. Was in Diktaturen Orden sind, das ist in der Filmbranche der Oscar. Schauspieler wollen nicht nur viel Geld, nein Ruhm und Ehre, dafür lohnt es sich, Schauspieler zu sein. Und sei es nur, wenigstens einmal für den Oscar nominiert zu sein.

Nun gut, es sind nicht immer die gleichen Schauspieler, Regisseure, Drehbuchautoren, Kameraleute usw., die nominiert werden, obwohl ich manchmal diesen Eindruck habe: George Clooney, Brad Pitt, Glenn Close, Meryl Streep, Martin Scorsese, Woody Allen und wie sie alle heißen, diese Namen tauchen immer wieder auf. Dieses Jahr gibt es nun zwei Filme, die 11x bzw. zehnmal nominiert sind, also die ordentlich absahnen können: Hugo Cabret und The Artist (siehe auch meinen Beitrag: Magie des Kinos: The Artist).

Aber es gibt auch jede Menge gehörige Frustration. So ist zwar Steven Spielbergs Film Gefährten als bester Film nominiert. Aber sein Die Abenteuer von Tim und Struppi gehen leer aus. Auch Angelina Jolies Regierarbeit In the Land of Blood and Honey ist in keiner Sparte nominiert. Oder Leonardo DiCaprio in und als J. Edgar (Hoover). Um nur einige zu nennen.

Seinen ganz besonderen Frust, für die Rolle in dem Film Drive nicht für den Oscar nominiert zu sein, macht jetzt Ryan Gosling auf noch besondere Art und Weise Luft. In den Medien kursiert ein Bild mit ihm und in fetten Buchstaben steht geschrieben: Where’s my Fucking Oscar Nomination for Drive? Ja, wo ist sie denn?

Da legt man sich so ins Zeug. Und für was? Für nichts? Sicherlich nicht. Aber, wie gesagt, die Kohle allein macht nicht glücklich. So ein verdammter Oscar macht sich eben nicht schlecht in der heimisch-heimeligen Vitrine.

The Artist („Der Künstler“) ist ein Spielfilm des französischen Regisseurs Michel Hazanavicius aus dem Jahr 2011. Die Geschichte um einen amerikanischen Stummfilmstar (gespielt von Jean Dujardin), der sich Ende der 1920er Jahren dem Übergang zum Tonfilm verweigert, wurde von Hazanavicius im Stummfilmformat 1,33:1 in Schwarzweiß-Bildern mit Zwischentiteln und so gut wie wortlos konzipiert.

Die Tragikomödie wurde am 15. Mai 2011 bei den 64. Internationalen Filmfestspiele von Cannes uraufgeführt und startete am 12. Oktober 2011 in den französischen Kinos. Von der internationalen Fachkritik überwiegend als brillante Hommage an das alte Hollywood bzw. als Liebeserklärung ans Filmemachen verstanden, gewann „The Artist“ mehr als 30 internationale Filmpreise, darunter 2012 drei Golden Globe Awards. Der deutsche Kinostart ist für den 26. Januar 2012 geplant.

Hollywood 1927: George Valentin (Jean Dujardin) ist ein gefeierter Stummfilm-Star. Doch die Einführung des Tonfilms schwebt als Damoklesschwert über seiner Karriere. Auf einer Premierenfeier verliebt sich George in die charismatische junge Statistin Peppy Miller (Bérénice Bejo), die mit ihrem gewinnenden Lächeln selbst das Zeug zum Leinwandliebling hat. Während der Siegeszug des Tonfilms für Peppy den Beginn ihres Aufstiegs bedeutet, verpasst George, der sich selbst als Star vom alten Schlage sieht, den Anschluss und fällt immer tiefer auf der Karriereleiter. George fehlt das Gespür für die Modernisierung des Kinos und die neuen Ansprüche des Publikums. Er überwirft sich mit seinem Produzenten (John Goodmann) und sein selbst produzierter Stummfilm wird zum Flop. Das gefährdet nicht nur die Beziehung zu seiner Frau, sondern führt ihn auch fast in den finanziellen Ruin.

aus: filmstarts.de

Ein Stummfilm in Schwarzweiß-Bildern im Jahre 2012 – geht das überhaupt? Ja, das geht und hat nicht nur bei den Kritikern, sondern auch beim Publikum großen Erfolg. Regisseur Michel Hazanavicius hatte mit Jean Dujardin bereits Komödien mit dem Geheimagenten OSS 117 im 60er Jahre-Look vorgelegt, die besonders in Frankreich ein breites Publikum fanden. Jetzt wagte er sich noch weiter in der Zeit zurück, zum Wendepunkt zwischen Stumm- und Tonfilm, und legte eine Hommage auf an das alte Hollywood, an den guten alten Stummfilm, ans Kino ganz allgemein und insgesamt. Eine Erklärung für den sich abzeichnenden Erfolg ist sicherlich der Überdruss eines Großteils der Zuschauer, der die ins Unendliche gesteigerten digitalen Tricks, diesen ganzen 3D-Kram einfach satt haben und sich noch einfacher, aber wohl schmeckender Kost sehnen. Diese Sehnsucht erfüllt „The Artist“. Zudem hebt sich der Filmheld George Valentin ganz einfach positiv von all diesen Superhelden ab. Man muss erst einmal darauf kommen, im 21. Jahrhundert einen schwarzweißen Stummfilm zu drehen.

Hangover 2 (Originaltitel: The Hangover: Part II) ist eine US-amerikanische Filmkomödie aus dem Jahr 2011 von Regisseur Todd Phillips mit Bradley Cooper, Ed Helms und Zach Galifianakis in den Hauptrollen und eine Fortsetzung zu „Hangover“ aus dem Jahr 2009. In dieser Fortsetzung erleben die Freunde abermals eine exzessive Nacht mit folgenschwerer Gedächtnisstörung.

Hangover 2 –deutscher Trailer

Gerade ist der fürchterliche Kater ihres Las-Vegas-Trips überwunden, da macht sich das berüchtigte Party-Crasher-Quartett aus „Hangover“ einmal mehr auf die Reise. Diesmal führt sie ihr Weg nach Thailand. Und diesmal soll alles anders, zivilisierter, unverfänglicher laufen, hat Stu (Ed Helms) beschlossen, um seine besorgte Verlobte (Jamie Chung) zu beruhigen. Doch er hat den Chaos-Geist seiner Kumpels Phil (Bradley Cooper), Alan (Zach Galifianakis) und Doug (Justin Bartha) fatal unterschätzt. Einmal mehr bricht eine Nacht voller abstruser Episoden an, an die sich am Ende niemand mehr erinnert – und vielleicht auch nicht erinnern will…

aus: filmstarts.de

Eigentlich ähnelt Hangover 2 sehr dem ersten Teil (Reichlich verkatert: Hangover). Wieder erleben wir einen absoluten „chaotischen Junggesellenabschied“ mit jede Menge Aberwitz. Aber weil der erste Teil so neu und originell war, kommt dieser zweite Teil lediglich als Abklatsch daher. Der Standort wurde zwar von Las Vegas nach Thailand verlegt und ein Tiger mit einem Affen ausgetauscht, aber weil einem alles irgendwie bekannt vorkommt, zündet der Funke nicht mehr so richtig. Okay, witzig ist der Film allemal, aber es bleibt ein zweiter Aufguss. So schnell verbraucht sich eben ein witziges Thema.

Es hat drei Jahre gedauert, bis ich Daniel Craigs zweiten Bondauftritt in Ein Quantum Trost aus dem Jahre 2008 kurz nach Weihnachten gesehen habe. Meine Söhne und auch ich hatten nach Casino Royale kein Interesse an dem neuen Bond, der nicht mehr der James Bond alter Tage ist.

James Bond ist eine Kunstfigur besonderer Art. Mit seiner Lizenz zum Töten ist er nicht gerade ein Idol für eine friedvolle Auseinandersetzung der Völker und Kulturen. Oder wie ich hier einmal schrieb: Jede Ähnlichkeit mit der Wirklichkeit wäre mehr als zufällig. Aber genau das ist es, was sie zu zeitlosen Helden macht. Sie sind zwar keine Superhelden wie Batman, Superman, Spiderman und wie sie alle heißen, aber im Grunde sind sie unschlagbar, auch wenn sie oft genug in brenzlige Situationen geraten. Durch ihre Intelligenz und ihren Spürsinn, durch ihren Charme und ihre ‚Schlagfertigkeit’ wissen sie sich immer zu helfen. Und alle drei [gemeint sind Emma Peel und John Steel aus der Serie „Mit Schirm, Charme und Melone“ – sowie James Bond] sind very british.

Allein dieses „very british“ vermissen meine Söhne und ich an dem neuen Bond. Ihm fehlt jegliche Selbstironie, die Briten auszeichnet. Sein Charme ist der eine Hyäne. Das Wenige an Witz, das er hervorbringt, ist lahm. Und seine Sprüche reißen keinem vom Hocker. Ausgeglichen wird das durch eine Orgie an Action und Gewalt. Aber was zu viel ist, das ist einfach zu viel. Selten habe ich mich vor dem Bildschirm so sehr danach gesehnt, dass diese endlosen Verfolgungsjagden und Schießereien endlich ein Ende finden. Das ist einfach mit der Zeit ermüdend.

Verblendung – ein Film von David Fincher (2011)

Und jetzt die Neuverfilmung von Stieg Larssons Roman „Verblendung“, dem ersten Teil der Millennium Trilogie (Verblendung – Verdammnis – Vergebung) – mit Daniel Craig. Als ich erfuhr, das die Amerikaner diesen außergewöhnlichen Kriminalroman erneut verfilmen wollten, sträubte sich einiges in mir.

Hollywood hat sich in den letzten Jahren immer wieder an Filmstoffen aus Europa bedient. Eine Zeitlang waren Neuverfilmungen französischer Filme angesagt. Jetzt sind es Plots aus Skandinavien. Soweit ich einen Vergleich hatte, haben mir die europäischen Filme immer wesentlich besser gefallen. Die Erstverfilmung von Verblendung, eine Gemeinschaftsproduktion auch mit dem ZDF, ragte besonders durch die Darstellung von Noomi Rapace der Lisbeth Salander hervor. In der amerikanischen Neuverfilmung (Regie: David Fincher) übernahm Rooney Mara diesen Part, die noch zerbrechlicher als Noomi Rapace wirkt, deren äußere Wandlung mich entgegen meinen Erwartungen doch stark überraschte.

Und Daniel Craig als kritischer Journalist Mikael Blomkvist? Ich weiß nicht, ich habe eine nicht so ganz erklärbare Antipathie gegen Daniel Craig. Vielleicht liegt es an dem Bond, den er verkörpert und den ich nicht mag. Allein sein Äußeres sagt mir nicht zu, den gedrungenen Körper und dieses dazu unpassende Gesicht … Dabei erscheint er mir ein durchaus sympathischer Typ zu sein. Immerhin hat er einige sehr gute Filme gemacht. Und in seinen Interviews redet er keinen allzu großen Käse (wie es sonst viele Schauspieler tun). Nun Daniel Craig ist ‚erträglich’ in Verblendung. Auch wenn ich mich nicht endgültig mit ihm anfreunden kann, so interpretiert er die Rolle doch auf eine neue Weise und nimmt sich sogar zurück, um „seiner jungen Kollegin eine perfekte Bühne für ihre großen Auftritte zu bereiten“.

Nun zum Inhalt des Films brauche ich nichts Neues zu sagen. Ich habe es ausführlich in meinen Beitrag zur schwedischen Erstverfilmung getan.

Entgegen meinen Erwartungen ist David Finchers Neuinterpretation des weltweit erfolgreichen Stieg-Larsson-Thrillers „Verblendung“ gelungen. Hollywood hat zwar wieder in Europas Kinolandschaft gewildert und dabei sicherlich nicht den schlechtesten Film herausgesucht. Statt einer Verwässerung des Filmstoffs nach amerikanischem Muster ist ein Film entstanden, der manchen Akzent anders setzt. Besonders Rooney Mara „verkörpert Lisbeth Salander kongenial als introvertiertes Mädchen mit außergewöhnlichen Fähigkeiten, das in den Ermittlungen eine Chance sieht, endlich seinen Platz in der Gesellschaft zu finden – nur um dann wieder und wieder enttäuscht zu werden. Diese verletzlichere Ausdeutung ist ganz sicher nicht so cool/kultig wie die von Noomi Rapace, erzählerisch gibt sie aber viel mehr her. Außerdem leuchtet Fincher die Beziehung zwischen Blomkvist und Salander (für ihn eine kuriose Faszination, für sie die erste große Liebe) bewusst stärker aus, was ihrer Figur noch einmal zusätzlich Tiefe verleiht.“ (aus: filmstarts.de)

Die Erstverfilmung war schon sehr krass. Wer nun glaubte, Fincher würde mit Rücksicht auf amerikanische Gemüter mit angezogener Handbremse agieren, muss sich getäuscht sehen. Seine Version der Rache von Salander an ihrem Peiniger fällt noch heftiger aus. Bei der expliziten Darstellung von Gewalt habe ich oft meine Probleme. Sie darf auf keinem Fall Selbstzweck sein, sondern sollte nur verdeutlichen, welche Bestie in manchen Menschen steckt. Denn allein dieses Wissen ist Schrecken genug. Fincher kratzt für mich leider sehr stark an dieser Grenze zum Zumutbaren.

Noch eines: Von Noomi Rapace, die die Rolle der Lisbeth Salander immerhin in drei Filmen gespielt hat, wissen wir, dass über diese Rolle ihre Beziehung zu ihrem Mann zerbrochen ist. Es ist eine Filmrolle, die eine junge Schauspielerin ganz und gar vereinnahmt und die man dann nicht zum Feierabend hin an der Garderobe abgeben kann. Wenn ich die Bilder der jungen Rooney Mara von früher mit denen von heute vergleiche, so stelle ich eine deutliche Veränderung des Gesichts und damit besonders der Mimik fest.

Green Lantern ist ein Superheldenfilm in 3D aus dem Jahr 2011, der auf der gleichnamigen Comicfigur von DC basiert (Quelle: de.wikipedia.org).

Der Testpilot Hal Jordan (Ryan Reynolds) findet ein außerirdisches Raumschiff-Wrack mit einem sterbenden Alien. Mit dieser Entdeckung ist auch das bisher sorglose Leben des Playboys vorbei. Denn Hal ist dazu auserkoren, das erste menschliche Mitglied der Green Lanterns zu werden – einer intergalaktischen Elite-Einheit, die einen Schwur geleistet hat, das kosmische Gleichgewicht zu bewahren. Und das droht, in eine fatale Schräglage zu kippen, als das mysteriöse Alien Parallex zur Exekution seines bösartigen Masterplans ansetzt. Um das Universum vor seiner bisher größten Bedrohung zu retten, muss Hal sich seinen größten Ängsten stellen, den Respekt seiner skeptischen Mistreiter ernten und dem fürchterlichen Parallex im ungleichen Kampf begegnen …

aus: filmstarts.de

Abgesehen davon, dass dieser Film reichlich uninspiriert und ermüdend konventionell inszeniert wurde, hängen mir Superhelden langsam aus dem Hals heraus. Warner Bros. Studios sucht nach einer neuen Filmreihe, die dann gewohnt häppchenweise dargeboten wird (wie Harry Potter, der es auf acht Teile brachte). „Green Lantern“ dürfte gleich mit seinem ersten Teil baden gegangen sein. Kurios mutet z.B. der linkische Wissenschaftler Hector Hammond (Peter Sarsgaard) an, wie dieser zum dämonischen Herold mutiert. Das hat man alles schon einmal besser gesehen.

X-Men: Erste Entscheidung (Originaltitel: X-Men: First Class) spielt in den 1960er-Jahren und ist ein US-amerikanischer Comic-Actionfilm über das Verhältnis zwischen Professor Charles Xavier und Eric Lehnsherr (alias Magneto). Beide sind Figuren aus der Reihe X-Men von Marvel Comics (Quelle: de.wikipedia.org).

X-Men: Erste Entscheidung – Trailer

Lange bevor sie zu erbitterten Feinden wurden, waren Charles „Professor X“ Xavier (James McAvoy) und Erik „Magneto“ Lehnsherr (Michael Fassbender) enge Freunde. Mit ihren ungeheuren Mutanten-Kräften versuchen sie in den 1960ern, den Lauf einer Welt zu korrigieren, die im Angesicht der Kuba-Krise ins Chaos zu entgleisen droht. Zu diesem Zweck gründen sie eine geheime Privatschule für „begabte Jugendliche“ – denn sie wissen längst, dass sie nicht die einzigen Mutanten sind. Doch der behütet aufgewachsene Charles und der Holocaust-Überlebende Erik vertreten derart konträre Menschenbilder, dass es nur noch eine Frage der Zeit ist, bis ihre Allianz zerbricht und eine ganze Generation von Mutanten Partei ergreifen muss…

aus: filmstarts.de

Die X-Men sind eine Gruppe von Comic-Superhelden, die in Comics des Marvel-Verlages auftreten und erstmals im September 1963 erschienen. Die X-Men bilden eine Gruppe in der Welt der Mutanten – Menschen, die dank ihres besonderen Gencodes übermenschliche Fähigkeiten besitzen. Mutanten werden von normalen Menschen oft gehasst, sei es aus Fanatismus oder aus Angst, dass sie die Menschheit unterwerfen oder gar als dominante Spezies ablösen könnten. Diese Angst wird von verschiedenen Mutanten genährt, die ihre Kräfte für ihre eigenen Ziele nutzen oder die Menschen hassen. Um die menschliche Umwelt vor diesen böswilligen Mutanten zu schützen, hatte Charles Francis Xavier (Professor X) die X-Men-Gruppe gegründet. Der Erzfeind der X-Men ist der Superschurke Magneto.

Diese Konstellation zeigt die gesellschaftspolitischen Untertöne der Serien, Mutanten werden oft als Metapher auf unterdrückte Minderheiten gesehen. Xavier wird gerne mit dem afro-amerikanischen Bürgerrechtler Martin Luther King Jr. verglichen, Magneto mit dem militanteren Malcolm X (Quelle: de.wikipedia.org).

Bisher gab es durch Hollywood drei Verfilmungen der X-Men-Reihe. Ein vierter Film, X-Men Origins: Wolverine, ist die Vorgeschichte eines der Helden der X-Men-Trilogie. Der jetzt 5. Film, X-Men: Erste Entscheidung, ist die Vorgeschichte weiterer X-Men-Helden und dürfte eigentlich nur für die interessant sein, die zumindest die Trilogie bereits kennen. Obwohl ich kein großer Comic-Fan bin und die immer neu aufgelegten Superhelden langsam lästig werden, fand ich den Film schon allein durch seinen geschichtlichen Hintergrund interessant, auch wenn die Kuba-Krise von 1962 vereinfacht dargestellt wird. Weil der Film unter enormem Zeitdruck abgedreht wurde (warum eigentlich?) bietet er nicht ganz die Tricks anderer Superheldenfilme, überzeugt aber mit seinem jugendlichen Darsteller-Ensemble.

Willkommen in Cedar Rapids (auch als Blu-ray) (in Anlehnung an die amerikanische Stadt Cedar Rapids in Iowa) ist eine US-amerikanische Filmkomödie aus dem Jahr 2011. Im Mittelpunkt des Films steht Tim Lippe (Ed Helms), ein blauäugiger Versicherungsvertreter. Nachdem sein Vorgesetzter beim Sexspiel (breath control play) tödlich verunglückt, bekommt Tim den Auftrag seinen Arbeitgeber bei einem großen Versicherungskongress zu vertreten (Quelle: de.wikipedia.org)

Willkommen in Cedar Rapids – deutscher Trailer

Der Versicherungsvertreter Tim Lippe (Ed Helms) aus Brown Valley, Wisconsin reist zu einem jährlichen Kongress für Angehörige seiner Branche nach Cedar Rapids, wo er seine Firma vertreten soll. Tim hat noch nie zuvor seine Heimatstadt verlassen, nicht einmal in seinem Leben in einem Hotel übernachtet. Das Wort „naiv“ ist noch eine Untertreibung.
Der Unerfahrene gerät unter die Fittiche von drei geübten Kongressbesuchern, Veteranen auf diesem Gebiet, und die bringen ihm bei, wie man auf diesen langweiligen Veranstaltungen am ehesten seinen Spaß haben kann. Für jemanden, der nur Schema F und Dienst nach Plan kennt, eine sehr unkonventionelle Erfahrung! Neue Freundschaften konfrontieren ihn mit all den Dingen, die er immer gefürchtet hat – Sex, Lügen und Verführung – aber auch mit der Chance, der Mann zu werden, der er immer sein wollte.

aus: filmstarts.de

Die Zeit ‚zwischen den Jahren’ eignet sich immer gut für längere Filmabende, die ansonsten trotz frühlingshafter Temperaturen wie in diesem Jahr so dunkel und ungemütlich wären. Nicht erst seit Hangover haben sympathische Loser, Nerds und Geeks Hochkonjunktur in der amerikanischen Komödienlandschaft. Bewerkenswert und daher sympathisch ist, wie dieses Andersein der Filmhelden nicht ausgenutzt wird, um sie vor dem Publikum bloßzustellen. „Willkommen in Cedar Rapids“ wird mit Leichtigkeit erzählt und ist dabei nie auf der Hatz nach dem nächsten Brüller. Das späte Erwachsenwerden des Protagonisten Lippe ist dank der fein austarierten Situationskomik und den zwar tollpatschigen, aber jederzeit menschlichen Figuren durchaus sehenswert und unterhaltsam.